視說新語 ❤ 設計初心者

一種一個月來一次的開心。

這籃子真方便~

最近在一篇探討創造力的文章當中，看到了關於「超現實主義」用於教學可幫助孩童創意思考的論述，因此對這一藝術流派心生好奇而探就了一番。

超現實主義為1920~1930年間所產生，主要思想是依據弗洛伊德的潛意識學說，強調了潛意識、直覺、夢境等等主題，並從中創造出超越現實的畫面，而比較知名的畫家包括了Salvador Dali(達利)、Max Ernst、Rene Magritte、Giorgio de Chirico與Paul Delvaux。

而由於作品是要體現超現實的夢幻，不同畫家有不同詮釋「超現實」的方式。以下就來看看「超現實主義」中的一些表現「超現實」的手法：

(1)事物的融合

Vladimir Kush

(2)形體的錯置或分割

Salvador Dali

Rene Magritte

(3)空間的錯置

Vladimir Kush

Samy Charnine

Rene Magritte

(4)違反地心引力

Salvador Dali

Rene Magritte

(5)扭曲的形象

Max Ernst

Salvador Dali

(6)儀式般的神祕與安靜的形象

Paul Delvaux

(7)無面孔

Giorgio de Chirico

Rene Magritte

而以上大致是從「超現實主義」的作品中所得到的一些觀察。而順道一提的是Vladimir Kush是我很喜愛的當代超現實主義的藝術家，作品筆觸細緻而畫面明朗，主題簡單大方(以上有幾幅就是他的畫作)，而他的官網上有著作品介紹，包含了繪畫以及雕塑作品，有興趣的朋友可以欣賞欣賞。

謝謝大家的喜愛。

這幾年來右腦思考真的很夯，除了和繪畫與圖像思考有關，最近又有一位曾經腦中風的神經科學家，以自身的經驗發現右腦和我們內在平靜的源頭很有關係，對右腦的了解似乎變得越來越重要。

而因為右腦和繪畫的狀態有關，《像藝術家一樣思考》也舉出了它的重要，並提出一些方法讓學畫的朋友可以去經驗它(右腦看事物的模式)，像是：

(1)倒反畫：把要畫的對象倒過來，比如說要畫照片的話就把它反過來頭朝下。這是讓我們大腦停止用語言去「辨認」眼前的事物(是蘋果、橘子、海綿寶寶?)，而是真正看到它的外觀。

(2)畫負空間：假如要畫一個東西，就改去畫它周圍的空間，然後拼湊出它的樣貌。這也是為了避免我們畫出事物「理所當然」該有的樣子，比如說瓶子就畫成兩邊完全對稱，國旗就四四方方。

而自己也一直在注意如何可以很快的進入右腦的繪畫模式，最近是覺得有一種方式還滿有效的：

對也不對：就是當一個想法或念頭出現的時候，同時肯定它與否定它，然後再告訴自己肯定它或否定它都不重要，讓自己理性的左腦搞不清楚現在到底是怎麼回事，因而退出主控權。

這其實是最近在看《金剛經》時的領悟，內容講到「心無所住」(不執著在任何念頭與事物之上)時，文中的描述就是像這樣既肯定又否定一個事物，然後又告訴你肯定還是否定都不重要，一切都是虛妄。

而在自己的體會中，這種「心無所住」的感受和我自己在畫抽象畫時的感覺非常相似，都是一種「無語言」的狀態，只是「心無所住」時內心是平靜的，而畫抽象畫時則有著濃濃的情緒。

所以現在我都是先利用這種「對也不對」的方式達到「無語言」的狀態，然後再將自己內心連結到所想表達的情感。而這種練習也有另一個附加的好處，那就是能讓自己很容易能處在平靜的狀態之下。

而前面提到有腦神經科學家曾經左腦中風，因此連結到了一種非常平靜與喜樂的狀態，她認為其中的奧妙存在於右腦。而許多開悟的修行者，都能無師自通在繪畫、音樂等等上面有著極高的造詣。因此，我才想到也許這種「心無所住」的境界與右腦開發與使用有著很大的關連。

而在修行與右腦開發上，我相信也有許多朋友更專業，若看到此文，也懇請不吝提供指教，自己也滿想在這主題上多了解一番。

I just can't wait to be king ~ ♪

常常在畫面中我們要營造出搶眼的印象或吸引別人注目時，色彩上大多不是使用特別明亮鮮豔的色彩，就是採用色彩上的強烈對比，似乎總是離不開色彩上的「刺激」。

但前陣子因為偶然在畫畫時填錯色彩，因而發現另一種利用色彩創造注目的低調方式，那就是使用違反常識中所認為的色彩，來創造一種視覺的停駐與特別的感受。

像上圖中左邊的太陽和雲，是我們所熟知的顏色，雖然可以達到好看的程度，卻沒辦法像右邊的用色讓人能有更多的停留與思考。

而其實這樣的方式，也是一種對比，是與我們「既定印象」上的一種對比，這種對比雖然在強度上不見得能超越色彩之間在同一個畫面上的對比，但卻能有較為持久的注目功效，並且很簡單地就可以讓人感到特別。

所以換句話說，若想要瞬間提升作品的特別感，直接把背景換成「暗色」而線條換成「明色」(整個反過來)是最快的了，像上圖只是直接把黑白翻轉過來，就創造出一種很強烈的印象。像我們平常看到畫在黑板上的粉筆畫很吸引人，除了是因為手繪的感覺加上粉筆的顆粒感之外，它的暗色底與明色線條也是很大的原因。

而像這種色彩上的脫軌，其實就是小孩子與生俱來的能力，對他們來說沒有什麼是「對的」造型與顏色，於是想像力就在畫面上大大發揮出來。而也許就是這種「誰管它怎樣才是對的」的心情，才是我們創作時該有的，也才能真正讓我們的作品與眾不同。

環保的意識這幾年漸漸抬頭，因此關於環保議題的「綠色設計」也成為主流的設計議題之一。而之前看到比較多的設計是從材料與製程著手，希望達到節省、可回收、對環境無害等等的目的。而下面這個設計Rethink Hanger，則是以「把功能讓出來」的新角度出發，去促使人們產生環保的行為：

這個設計本身單獨存在並沒有功能，而是要將空的寶特瓶接到它的兩邊之後，才搖身一變成為了衣架。

這是一個設計上的思維轉換，從「讓東西變得更環保」變成了「人要做環保東西才能用」。也許我們並不能馬上解決寶特瓶的問題，但我們可以強化它存在的價值，甚至是讓人們必須對它再利用，因為我們想要使用另一項物品，像這邊是衣架。

而在這邊衣架也不僅只是和寶特瓶結合，衣架某方面也因此變得「更好」，因為寶特瓶的圓筒造型讓衣服比較不會變形。功能上的提升對於此類的設計方式也是很重要的，因為如此才具有市場上的可能性。

於是在我們把環保當成問題來解決的同時，或許也可以試著朝向「讓某東西的環保問題，成為另一項東西品質提升的機會」的方向去思考，也許就可以產生很不一樣的設計。

剛在Don Norman的演講「讓人快樂的好設計」中看到了Jake Cress這一系列的作品，主題大多是和椅子「不完美」的狀態有關。像How to Build Furniture是桌腳不一樣高需要墊書，Peel Here是桌面破損掀了起來。

其中一些更包含了人性在當中，像Cripple Table使用了人的拐杖當作它的其中一個桌腳，而Self-Portrait則是一張椅子正在打造自己。而當中最令人印象深刻的，則是椅子滾輪掉了，它要伸手去撿回來的設計Oops。

當我們看到這些將不完美放大的作品，我們會覺得有趣，因為會一種滑稽的感覺。而這樣的設定並不陌生，在許多表演與作品當中，都會有這種逗趣人物的出現，只是現在是用在傢俱設計上。

也就是說，當我們想為產品注入人的情感時，除了參考使用者的過去種種可能的體驗之外，更可以把產品假想成一個人：它有什麼個性，會說什麼話，做過什麼事，認識哪些人...。這樣使用者自然就會在人與物品的對話中體會到它的性格。

回想起之前看到一系列跳舞的傢俱，就很有一種俏皮的感覺。而除了幽默的風格之外，是還有著其他的可能，比如說設計一款很有「流氓感」的傢俱（暗笑）。

而從Jake Cress的作品中，也可以看出擬人化的程度區分：

(1)無擬人：How to Build Furniture與Peel Here，造型只是傢俱本身就可能會有的狀態。

(2)結合人類使用的物品來擬人：Cripple Table，造型中使用了人類才會用到的柺杖。

(3)結合人類的動作／表情來擬人：Self-Portrait與Oops，造型中結合了人類才會有的動作。

所以當我們想設計具有情感的物品時，一方面是我們可以參考戲劇或小說中對於性格的描述，把它用來定義物品，一方面是可以依照你所希望擬人化的程度，去在造型上做取捨，如此便能依照場合，去創造適宜的「情感」產品。

不可燃的，通通拿去回收！

重讀再利用。

時間的意義一直是藝術家與哲學家很感興趣的主題，而對於人感受到時間流逝的經驗，則是一而再再而三地被藝術家與設計師重新詮釋。而下面這個由倫敦的設計師Oscar Diaz所設計的日曆Ink Calendar，則是以墨水浸濡紙張的方式，來表達了時間的流逝。

每個月份的起頭會有一個墨水瓶，而這邊是屬於８月的紫色墨水。每個月份的顏色選擇，是由我們對於當個月份的溫度與天氣「印象」來做決定（像12月是深藍）。下面是整個設計的全貌與局部圖：

初看到這個設計時，我聯想到了電腦裡的進度條（Progress Bar），就是用來記錄軟體運行或下載的進度如何的元件。而進度條的設計則在Flash上變得非常繽紛，像Smash Magizine就曾介紹一些創意的案例並加以分類。

而關於進度條如何影響人們對於時間的感受，CMU曾在2007年作了相關的研究，而我自己也曾做過這方面的思考，那時我還是一位工程師。「時間的感受」這個主題太迷人也太難以捉摸，因此各個領域都試圖一窺一二，並期望有一天能拼湊出它的全貌。

時間，是一個永恆的話題。

圖片來源：A little bird just told me about...

剛在Threadless上看到這個設計時，有一種內心被觸動的感覺。前陣子看了不少人與衣服互動的新設計，但大多都是加上了一些裝置在上面，強調的都是附加功能。而這個設計僅僅是用一個簡單的圖像，就達到了一種互動的趣味，簡單的感動。

作品的名稱是「A little bird just told me about...(一隻小鳥剛剛告訴了我...)」，穿在身上時就像是真的有一隻可愛的小鳥對你耳語。

而這個設計另一個讓人喜愛的地方，就是T-shirt上的圖案在還沒有被穿在身上時是「不完整的」，也就是說它的圖像意義一直要到「被使用時」才會彰顯出來。它本身並不想主導著意義的發生，而是期待著你與他發生關係，這種被動式的設計反而造成了它可以玩味與吸引人的地方。

而這也是平面設計的一種抬升：一個平面的影像如何能更積極地影響周圍的環境，而不是只是一個被欣賞的存在。而上面這個設計，就是創造了一個「角色扮演」的機會，影響了人穿衣服時的感受。

而這個作品也再次讓我更相信：「最大的感動來自於最純粹的事物。」

電影【變型金剛：復仇之戰】在全台締造了將近5億2000萬的票房，並拿下北美史上票房第三高的光輝紀錄。似乎會變形的機器人，對於我們總是有著一種特別的吸引力。

而最近看到的一個變形機器人H010101，則揮別慣有的強而有力形象，以一種美與合諧的造型誕生：

初映入眼簾的，是一個如同太陽一般的光輪造型，傳達出一種光明與希望的意象。並且整體造型近似於圓型，因此給人一種合諧與圓滿的感受。以下是它整個變形的過程（影片在這邊）：

可以注意到的是，它基本上都是以一個長形的圓角菱形，作為它的基本造型而不斷地重複，而這也是美的原則當中一個重要的要素：

而這樣的形狀會讓人聯想到鳥類的羽毛、野獸的鱗片，或者是長矛的頭，因此它本身除了帶著一絲「生物」的氣息，同時也傳達出了銳利感。

而H010101的設計理念其實很單純："These amazing, physically-impossible transformations have been made-come-true"，簡單來說就是一種超乎物理想像的變形方式被實現了，而這也聯結到了變型一直以來對於我們的吸引力：

變型 = 驚奇 + 多功能 + 未來感 + 變得更強 + 互動(對於玩模型的人)

而我們在看英雄式的機器人電影（如變形金剛），或者是在玩機器人模型時，多半會將我們自己投射在那個角色之上。因此假如我們投射的對象變的越精采，變得越神勇，那想當然我們也就更沉浸其中了。

剛看到了一個新聞：「施打過期疫苗，空軍隱匿不報」，突然讓我想起了為何我以前那麼不喜歡看新聞報紙，因為會看到許多人性中的灰暗面。不過設計師得要掌握社會脈動，對於時事勢必不能放過，但若為藝術家，為了能營造出一個全然的主觀世界，與俗世隔離的孤獨是必須的。

但真的是如此嗎？設計師我想是很難出世，但入世的藝術家是否為可能呢？或者應該問說，藝術家如何能在出世與入世這兩個端點間，找到屬於自己的安身立命之地？

一講到入世的藝術家，馬上會想到村上隆與安迪‧沃荷。其實我沒有很了解他們，但是我對他們的印象就是「商業」與「量產」，但很佩服他們同時在這後面包含了深厚的藝術涵養與觀點。

而我自己所喜歡的藝術家大多都是接近出世的，而且多半有著精神上面的困擾，比如說像梵谷，將自己的左耳切割下來。而我最愛的作家之一李欣穎，則也提過這方面的困擾，而她是用禪修的方式來化解。

似乎藝術家走到了最後若脫離社會太遠，不是因為精神困擾而鬱鬱寡歡，就是得要追求更上一層次的精神修養。還是，其實根本是如歌手唐‧麥克林的歌Vicent中些微悲傷的陳述：

這樣的歌詞是一種悼念，還擁有美好生命的人們不應這樣看待自己。至少我希望自己能當個很開心的藝術家，也希望能將這樣的喜悅之情傳達給身邊的每一個人。光是生命本身，就是值得歌頌而奇妙非凡！

PS. 我最近決定把一些文學與生活感想的寫作放到這邊，假如和設計主題比較有關的，才會放到視說新語當中。一部分是因為怕一天寫好幾篇對這邊的朋友可能會是干擾，一方面是因為我真的很愛Posterous平台的簡潔與便利性（對純文字書寫較好）。於是那些願意聽我murmur的好朋友們，就請你們偶爾到那邊看看嘍！